:: ‘arte’

Yara Delafiori/Chavantes-SP. Essa semana em minha coluna, publico uma verdadeira homenagem às mulheres guerreiras, sensíveis, tementes à Deus, que não apenas existem, mas vivem com intensidade, trabalham com prazer, crê com todas suas forças na intervenção divina, e se amam. Vidas de luz que emanam a essência do amor, representadas  através do trabalho dessa talentosa artista plástica.

Fala-me um pouco sobre a artista YARA DELAFIORI.

Nasci em São Paulo e atualmente resido no interior de São Paulo. Sou professora de Arte da rede municipal e também artista plástica .

Durante 20 anos a Arte era só um hobby mas, de três anos para cá  a arte faz parte de minha  vida de uma maneira profissional.

A busca da essência  feminina tem sido a  poética atual de meu trabalho.

“BELEZA AFRICANA”

Fale um pouco sobre seu projeto Colcha de retalhos e o universo feminino.

Uma de minhas séries atuais chama-se Colcha de retalhos e o universo feminino.

Onde artista e modelo criam juntas a obra .

Algo muito interessante e desafiador, é a busca do belo em cada mulher retratada .

O belo que retrata e eterniza a auto estima, um momento, um sentimento.

“PENSAMENTOS”

Iara, que mensagem procurou passar através desse lindo trabalho “Vitiligo, apenas um detalhe” ?

A realização desta obra foi muito desafiadora, em todo o seu processo criativo .

A moça refratada se chama Hellen Borges e ela é de Goiânia.

Fez contato pelo Instagram e escolhemos juntas a imagem para pintar .

Artista, modelo e fotógrafa cruzaram os olhares, criando e eternizando um momento.

Hellen tem vitiligo, e a luz própria que carrega a faz  enxergar o vitiligo com muita leveza e humor .

É uma mulher que se valoriza e ama a sua imagem.

“VITILIGO, APENAS UM DETALHE.”]

Você participou da exposição IMPACTADOS PELA ARTE, (https://www.exposicoesllima.com/)

 Fale um pouco do impacto que a arte produz em vc e mostre-nos a obra que representou nesse projeto.

A arte para mim sempre foi sinônimo de superação, alegria, esperança e sonhos .

A arte impactou minha vida desde o  primeiro encontro com ela, que foi em forma  de uma tela de paisagem .

de dimensões pequenas mas, o encontro foi muito intenso e avassalador, viajei na paisagem e foi amor à primeira vista .

Desde esse encontro, até a concretização de se tornar uma artista, muitos desafios foram lançados .

De uma menina que tinha pânico das folhas em branco no caderno de desenho, a uma mulher que se tornou íntima da criatividade e de todo o fazer artístico. Além de impactar, a Arte cria uma conexão entre criador e espectador e eu acho isso incrível. A imagem abaixo representa meu trabalho que está exposto no projeto Impactados pela arte. Uma releitura de “ O beijo” de Gustav Klimt. Esta obra impactou o meu coração e acho que estes são um dos objetivos da Arte , chegar até o coração das pessoas.

Ela me transporta aos meus mais sinceros sentimentos com relação ao meu esposo. Uma obra cheia de simbolismo e ternura.

“O BEIJO”

ARTE É… também foi um de meus projetos  que participou com muito brilhantismo. O que acrescentou em sua carreira artística e que obra representou?

 O projeto Arte é… trouxe p mim a dinâmica da reflexão sobre a palavra Arte .

Uma palavra complexa e desafiadora.

Participei desta exposição com a obra Fé, divulgada abaixo.

Fazendo uma homenagem a uma amiga, a também artista Maria José/RJ .

Uma obra que faz parte da série:  Colcha de retalhos e o universo feminino.

Nesse projeto, minha definição de arte foi Metamorfose.

Assim como a metamorfose é transformação, acredito que a palavra fé segue a mesma vertente, e esse foi o título que

dei para minha obra.

“FÉ”

Mais um exemplo de seu grande talento no trabalho que faz, Iara consegue falar sem nada dizer

através de sua arte.

“FANTASIA”

Para conhecer um pouco mais de YARA DELAFIORI, onde ela expõe

suas obras, e descrições a respeito de seu trabalho acessando o link; (https://www.exposicoesllima.com/) ou em suas redes sociais.

Oscar D’Ambrosio

Por que o mercado de arte gosta tanto de desigualdade social exposta através da arte? A simplicidade dos questionamentos no melhor sentido incomoda mais que o sofrimento? As perguntas do artista Clóvis Camargo (@clovis.cmrg) levam a reflexões sobre a arte e os seus vínculos com a sociedade.

Uma delas é que o ideal de uma “sociedade igualitária” passa hoje pelo debate sobre o “direito à diferença”. Como aponta Djamila Ribeiro, no livro “O que é lugar de fala?”, “O lugar social não determina uma consciência discursiva sobre esse lugar. Porém, o lugar que ocupamos socialmente nos faz ter experiências distintas e outras perspectivas”.

Há pessoas que historicamente tiveram e tem mais chances de falar e de serem ouvidas na sociedade, pois a hierarquia social faz que inúmeras produções intelectuais, saberes e vozes sejam tratadas de modo inferior e colocadas em um lugar silenciado ou mesmo proibido de se manifestar.

Ter consciência do próprio sexo, gênero, cor, raça, etnia, origem regional, religião e orientação sexual permite o salto das experiências individuais próprias, portanto, de cada um, para a reflexão coletiva. Perceber-se e pertencer-se, nessa ótica, significa fundamentar as próprias perspectivas de vida.

O conceito de “lugar de fala” tem como base, portanto, o conceito de oferecer visibilidade a sujeitos cujos pensamentos foram desconsiderados durante muito tempo. Isso não significa, porém, calar o outro. O objetivo é abrir espaço para que as mais diversas vozes sejam ouvidas, consideradas e respeitadas.

O pressuposto primordial é ampliar a troca de ideias e discussões para que não haja a imposição de uma visão. Portanto, quem não faz de um grupo pode continuar expressando a sua opinião sobre ele, desde que entenda a importância de abrir espaço para aprender, entender e respeitar o que aquele grupo está tentando dizer.

Cabe ao artista, nesse contexto, explorar a sua técnica e a sua sensibilidade para conseguir realizar as pontes entre os diversos lugares de fala rumo a estabelecer discursos em que as conexões se realizem de modo que as diferenças e igualdades se façam presentes dentro de sua proposta estética e vivencial.

Oscar D’Ambrosio é Pós-Doutor e Doutor em Educação, Arte e História da Cultura, Mestre em Artes Visuais, jornalista e crítico de arte.

“AIRPORT LIFE”

Asad Karim, de Calcutá, Índia,  começou sua arte de desenho aos 4 anos, incentivado pela professora entrou na escola de Artes. Aos 15 anos já tinha as noções básicas de arte incluindo técnicas de  óleo  sob tela, retrato e paisagens.

Ganhou várias premiações na cidade de KOLKATÁ. Seus trabalhos também foram publicados no Birla (Museu de Ciência e Tecnologia) na série O MUNDO FUTURO – Obra de ficção científica.

“Parei minha arte por algum tempo devido aos estudos e questões familiares, porém sem nunca deixar de desenhar no tempo livre”, diz..

“Em 2012 voltei a arte de pintar, principalmente paisagens em aquarela sob a supervisão de pintor premiado nacionalmente que pertence a  BENGAL SCHOOL OF ARTS”.

Desde então continua a pintar quase todos os dias. Além de artista, é engenheiro aeronáutico por isso seu gosto por desenhos e pintura associadas ao aeroporto e à sua vida.
“COLDPLAY”

“LADY NEAR POOL”

“MAN IN CAFE”

“MICKEY MASK”

“GLÓRIA”

Asad tem explorado a técnica aquarela em seus recentes trabalhos, criando um resultado harmonioso no conjunto desenho, cores e aquarela.

Seu amor pela arte é revelado em seus trabalhos, o que tem feito dele um talentoso artista.

 Para conhecerem outras obras, ou  um pouco mais de sua história acessem os links:

https://www.facebook.com/karim.asadul/about_details

https://www.instagram.com/iasadkarim/?hl=pt-br

Carmem Silva Moreira, de Ribeirão Preto-SP  é uma talentosa artista que decidiu pintar para ocupar o tempo, se aperfeiçoou em aulas de pinturas e estudos que a levaram a dominar o estilo acadêmico e espatulado comuns em suas criações. Participou de várias exposições e projetos artísticos entre eles de minha autoria como a exposição “AMOR MANIFESTADO” onde cada artista pode expressar o amor em forma de arte.

Conheça algumas de suas obras e no término, estará o link de suas redes para conhecerem outros trabalhos de Carmem Moreira:

“AMOR” OST –  Obra selecionada para a exposição virtual coletiva Amor Manifestado confira em www.exposicoesllima.com

“CIDADE”  OST  Técnica mista.

 Um lindo trabalho em que a artista foi muito feliz na escolha dos tons e traços

“CAMPO DE FLORES” OST

Mais uma perfeita combinação de cores, que traz uma obra de arte

harmoniosa, caracterizando o infinito.

Perguntado a artista o  que é arte em sua concepção, ela respondeu: AMOR INTENSO, explicando que a pintura é o amor intenso vestido de sentidos.

Segundo Carmem Moreira, a arte é um luxo não porque precise necessariamente de riquezas para ser executada, ela é um luxo por que precisa de mãos descansadas.

Praticar é necessário, não importa se a obra finalizada esteja  perfeita ou não.  E conclui dizendo que a arte é uma das maneiras de fazer o Amor dentro de nós crescer.

“MEU PRIMO” 0ST Uma obra criada a partir de uma foto, a pedido de um primo.

Informações de Contato:

https://www.facebook.com/profile.php?id=100004517717939

https://instagram.com/carmem_silvia_moreira?utm_medium=copy_link

Mariah Campolina  é goiana, de Formosa Goiás e reside em Brasília/DF. Graduada em Administração de Empresas. Em 2004 se encontrou em definitivo no caminho das Artes em Salvador/Bahia. A satisfação com a pintura sobre tela a mantém em atividade constante, quer na execução material de suas obras ou na elevação de seus conhecimentos teóricos e técnicos em museus, galerias, exposições workshops.

Na construção de suas obras, faz uso de técnicas clássicas e contemporâneas. No gênero paisagem, a maioria das obras  são recortes de elementos da natureza realisticamente representados.   A temática “flores e paisagens” é presente nos trabalhos de Mariah Campolina e tem na biodiversidade do cerrado, onde viveu a maior parte de sua vida, uma fonte inspiradora frequente. “Mariah Campolina diz que quando está pintando se transporta para a tela”.

Apresento uma pequena parte dessa linda série “Flores do Cerrado”, com as descrições representativas de cada espécie. 

1. Ipê Amarelo VI (Bignoniaceae – Handroanthus albus)

60 x 80 cm – OST Planta nativa do Cerrado e Pantanal Brasileiro. Em mata de galeria, mata seca, cerradão, cerrado. De casca rugosa e grossa. Também é chamado de ipê amarelo do cerrado, piúva cascuda, ipê dourado, pau d’arco amarelo. Os ipês florescem de agosto a setembro. O ipê amarelo simboliza nossa nação, símbolo do Brasil.

2. Algodão do Cerrado (Cochlospermum Regium)

 70 x 50 cm – Mista

Algodão do Cerrado é o nome popular de uma planta da família das Bixáceas. Suas flores são grandes e amarelas. Na seca perde todas as folhas. O maior período de floração ocorre de agosto a dezembro e dura maios ou menos 20 dias.

3. Flor do Pequi III (Caryocaraceae)

70 x 50 cm – Mista

O pequizeiro é uma planta típica do Cerrado que também é chamado de pequi, amêndoa de espinho, grão de cavalo, pequiá, pequerim e piquiá. Sua floração se dá de setembro a novembro e seus frutos iniciam em outubro até fevereiro.

4. Flor da Lobeira ( Solanum Lycocarpum)

70 x 50 cm – Mista

Pertence à família das Solanacease, a mesma do tomate e do jiló. Floresce de dezembro a março. Suas flores são roxas que resultam em frutos arredondados de cor verde que pesam em torno de 400 gramas. Também chamada de fruto do lobo guará.

5. Flor da Cagaita (Eugenia Dysenterica)

70 x 50 cm – Mista

Planta originária do Cerrado, parente da goiaba e é também da família da pitanga, do araçá e da uvaia. Floresce nos meses de agosto a setembro e frutifica de setembro à outubro.

No Cerrado suas árvores são tortuosas, de cascas grossas e suas raízes são profundas formando uma floresta subterrânea, as quais são responsáveis pelo armazenamento de água para sobreviverem durante a seca. A vegetação do cerrado funciona como se fosse uma esponja que absorve a água das chuvas semestrais no solo e empurrando a água para 3 grandes lençóis subterrâneos intitulados aquíferos, de onde saem as nascentes que alimentam os rios. A retirada da cobertura natural está deixando de alimentar os aquíferos de maneira a proporcionar a seca dos lençóis subterrâneos, causando assim, o fim da nutrição para as árvores e plantas naturais do Cerrado.

Contatos: mariahcampolina@mariacampolina.com

Instagram: @mariahcampolina.arte

Site: www.mariacampolina.com

Será  realizada nesta  sexta-feira, 7 de maio, às 19h, a live  sobre as “Non-fungible token” (NFTs), com as participações de Rodrigo Cid e  Gustavo Martes  A .  NFT, é uma espécie de “cripto-colecionável” que vem ganhando espaço entre artistas, desenvolvedores de games e outros profissionais que lidam com trabalhos autorais.

A sigla significa non-fungible token (em tradução livre, token não fungível) e se trata de um tipo de chave eletrônica criptográfica usada de forma única. O dono de um NFT é proprietário de uma espécie de certificado de propriedade intelectual, o que garante sua autenticidade e unicidade.

Rodrigo  é filósofo, professor e artista plástico; e Gustavo Martes é curador da Binária Galeria de Arte Contemporânea  e produtor de conteúdos em podcaster.
A live eserá transmita no instagram

@binaria.art
@rodrigorlcid
@holodeckeditora

Emunáh (Fé) o universo mítico do cacau

Daniel Thame

Artista, natural e residente em Curitiba, Paraná, Josane  Cavallin, utiliza a arte como um meio de comunicação entre dimensões, com trabalhos que revelam  uma intimidade permeada com erudição para desenvolver  óleos sobre tela e aquarelas, que conseguem expressar o sentimento que tem em suas memórias e diálogos internos com o “lugar” de onde as telas vêm. Entre suas influências estão Augusto Conte, Daniel Freire e William Turner.

Josane,  deixou de lado o ofício artístico integral para renascer há poucos anos, buscando uma desconstrução, a fim de dar continuidade a esse renascimento com uma vontade interior e evolutiva que cada artista possui dentro de si.

Desde esse ponto de renascimento pessoal, a artista tem se dedicado a desenvolver marinas, compondo uma recente série de obras onde o mar e o céu são protagonistas, assim como o que eles representam dentro de cada um.

De acordo com Josane, fazer arte é “”Aceitar a própria manifestação, filtrada a inspiração, daquilo que nos move a manifestar”.  Josane Cavallin é uma artista que merece ser descoberta e admirada em sua redescoberta como artista.

Josane  Cavallin  também mergulhou no universo mágico do cacau e produziu o quadro  Emunáh (Fé) , que brevemente estará em exposição na Feira de Economia Solidário do Cesol Litoral Sul, no Shopping Jequitibá, em Itabuna.

Entre as participações  da artista em exposições coletivas e individuais e coletivas, destacam:

– Coletiva dos alunos Augusto Conte – 1987 – Sesc da Esquina

– Coletiva dos alunos Daniel Freire – 1987 – Sesc da Esqina

– Individual “Inspirações Paranistas” – 1990 – Sala Arte Senac

– Coletiva da Assembléia Legislativa do Estado de São Paulo – 2019

– Coletiva do Anuário de Artes da Luxus Magazine no Nacional Club em São Paulo – SP – 2019

– Coletiva “Desvio para o Vermelho “ – 2020 – Galeria Zagut – Rio de Janeiro – RJ

– Coletiva “Abstração e Figuração” – 2020 – Galeria Zagut – Rio de Janeiro – RJ

Todas as obras podem ser vistas no  Instagram @jocavallin3

Daniel Thame

Salua Saleh nasceu em Barrinha, SP, Brasil, em 1958, é descendente  de libaneses  e tem na arte a sua força de expressão. Formada em  Administração Hospitalar na UNAERP de Ribeirão Preto – SP e pós-graduação na Universidade São Camilo – SP, ela viveu vários anos em São Paulo, depois Londres, Arraial d’Ajuda (Porto Seguro) – BA,  Norte da Itália e hoje vive entre o Brasil na cidade de Ribeirão Preto e  a Itália.

Salua é uma artista autodidata, que começou  a pintar em 1999, com forte inclinação para a arte figurativa e foco na figura feminina e muito influenciada através de estudos dos mestres Matisse, Klimt, Frida Kahlo, Modigliani, Munch, os quais a estimularam em sua pesquisa técnica expressiva.

A escolha temática da artista dialoga aspectos afetivos e emocionais internos com resultado de cenas do cotidiano, de questões sociais e do inquietante mundo em que vivemos, como cenas de guerra e preconceitos raciais utilizando cores fortes.

Salua utiliza em suas pinturas tinta acrílica e tinta óleo  e  é  amante de viagens à lugares inusitados de onde também retira inspirações para alguns de seus trabalhos.

A artista também trabalha com a abstração, explorando sua consciência energética. ‘’ Minha alma inquieta, por necessidade emocional me fez iniciar a pintar. Sentia um movimento dentro de mim e imaginava-me pintando várias imagens que se formavam em minha mente”, diz a artista.

De acordo com Salua, “ o impulso vem acompanhado de certa ansiedade: enquanto preparo pinceis e escolho as cores, sinto um vendaval interno. Busco as cores cm urgência e minha mão inicia meio sem rumo, mas, ao mesmo tempo, com a certeza de cada movimento.”  “Como se fosse um transe, as emoções estão em minhas mão. e que conhece o caminho para a minha libertação,’’ ressalta a  artista, que também  é mosaicista e artesã.

Seus trabalhos estão  expostos em Berlim, Nova York, Cleveland, Londres, Líbano, Itália, Grécia e Brasil. A  artista participou de várias exposições coletivas e individuais no Brasil e na Itália.

Instagran

@saluasaleh_artgallery

Apresento nesta semana um grande e talentoso representante da Arte de Ribeirão Preto- SP / Brasil – Edval Pessoa, com formação acadêmica: Arquitetura e Urbanismo. Seus primeiros contatos com a arte foram na pré-adolescência através do hábito de desenhar personagens de revistas em quadrinhos. Por morar no interior do Pará, seu contato com a arte era mínimo. Somente com sua chegada em Ribeirão Preto/SP no ano de 1969, é que iniciou pra valer seu mergulho no universo artístico, tendo acesso às informações e conhecimento da arte. Seguindo para pintura em tela e chegando até a sua impressionante arte, onde utiliza como matéria prima, fitas recicladas.

Uma minuciosa arte de trabalhar as fitas recicladas numa linda combinação de cores e formas que resulta numa verdadeira obra de arte. Em suas entrevistas procura dizer que não escolheu a arte, acredita que ela o escolheu. Edval Pessoa é autodidata, fascinado pela Arte Contemporânea. Busca retratar de forma mais precisa seu pensamento e sentimento, pessoas, animais, natureza, tudo que é belo e impressiona aos olhos, como na imagem abaixo de um de seus belíssimos trabalhos.

Edval Pessoa, não tem um tema favorito, ele vai criando de acordo com seus sentimentos e emoções. Relata que a arte Contemporânea é isso, nos faz viajar no imaginário, e quando voltamos, uma obra surge pronta, idealizada seja: esculturas, desenho ou uma pintura. Com relação aos materiais usados ele escolhe aquilo que sua imaginação escolhe, lonas de caminhão, tecidos, metais, fios, linhas etc.

Quando  inicia uma obra, faz alguns esboços, realiza algumas pesquisas, seja ela física (material), ou via on-line. Para cada tema, segue suas  emoções, sentimentos ou atualidade. Quando perguntado qual artista o inspira, sua resposta foi: Pessoa: Jesus Cristo – Pessoa Artista: Lygia Testa, Tomie Ohtake e outros. Referindo-se ao seu trabalho diz ser  muito importante fazer o que você ama e se sentir bem com o seu papel no mundo.

O artista participou de algumas exposições em que recebeu premiações e menções honrosas por seu belo trabalho. PERSEVERANÇA, é a palavra que descreve o artista e recomenda a todos que estão iniciando no caminho da Arte, assim como imagino que deve usar na criação e construção de suas obras. Perseverança, atenção, paciência, criatividade, e amor por aquilo que faz.

Contatos : Facebook: https://www.facebook.com/ edval.pessoa

Instagram: Edval Pessoa is on Instagram • 830 posts on their profile

Oscar D’Ambrosio

Ilustrador que constitui uma referência pela maneira como pensa, pratica e se insere na arte contemporânea, o alemão Christoph Niemann atua também como designer gráfico e autor de livros infantis. É possível acompanhar seu trabalho em @abstractsunday. A trajetória do artista também está disponível em um episódio da série “Abstract: The Art of Design”, disponível na plataforma Netflix.

A imagem que acompanha este post é uma recriação da obra de René Magritte conhecida como “Ceci n’est pas une pipe” (“Isto não é um cachimbo”), de 1929, que integra a série “A Traição das Imagens” (em francês, “La trahison des images”). O pintor belga discute como uma pintura não é aquilo que se representa, mas uma imagem.

O cachimbo precisa então, como alerta o artista, ser visto como outra coisa, um objeto artístico. Não é um cachimbo, por mais precisa que seja imagem, mas uma criação artística. Na obra de Niemann, um fone de ouvido ocupa a posição do cachimbo. A frase é mantida, e as conotações e reflexões se multiplicam com a ressignificação daquilo que permite usar o sentido da audição em algo que substitui a imagem do que é usado para sentir um sabor.

Niemann também mostra a capacidade de fundir o clássico ao contemporâneo quando, em 2019, lançou Traffic Pong, obra de videoarte em que retoma o célebre Pong, o primeiro videogame lucrativo da história, em que as duas barras laterais verticais e o quadrado, que funciona como bolinha, são colocados (pasmem!) sobre uma vista aérea da icônica Avenida Paulista, em São Paulo, SP, na qual os carros interagem no andamento do jogo.

O artista alemão é um defensor do conceito de que, pelo menos para ele, não há genialidade no processo de criação. Tudo é resultado de trabalho e disciplina. Para criar suas obras em que parte de objetos cotidianos e os coloca em novos contextos, como fez com o fone de ouvido, declara que fica horas olhando para aquilo que escolhe, buscando sínteses e recorrendo a referências. Consegue assim resultados extraordinários.

Oscar D’Ambrosio é graduado em Jornalismo pela USP, mestre em Artes Visuais pela UNESP e doutor e pós-doutor em Educação, Arte e História da Cultura pela Universidade Mackenzie.